乐队合奏的形式实际从巴罗克时期就在协奏曲及组曲中得以酝酿，到18世纪中叶，它以“交响曲”的形式充分显示出管弦乐器合奏音色的丰富和复杂。交响曲这种体裁的直接来源是意大利序曲（sinfonia），这种在17世纪60年代风行的意大利歌剧序曲，以“快-慢-快”三个段落的结构模式为人们所熟悉，后来逐渐脱离歌剧的演出环境，作为单独演奏的管弦乐曲形式出现在音乐会舞台上。它的乐队配置与演奏风格，都随着演出场地和功能的转换而变得更加成熟。从宫廷、修道院到市民的私人宅邸，从酒馆、咖啡馆到音乐爱好者自已组织的系列音乐会，各种情境下的管弦乐队演奏实践都促使“交响曲”迅速发展起来。

前古典时期与巴罗克时期一样，管弦乐队的乐器配置并不固定，需要根据各地乐队的具体状况而定。和巴罗克时期的合奏曲、协奏曲相比，交响曲使用的乐器数量及种类的区别并不大，17世纪路易十四时代吕利的乐队约有24人，而到18世纪60~80年代海顿的乐队也不到30人，但突出的进展在于管乐已成乐队的必备乐器：双簧管、大管或长笛，有时还加圆号或小号，另外还有定音鼓的配置。由小、中、大和低音提琴组成的弦乐组，依旧是陈述作曲家乐思的主要乐器声部。羽管键琴弹奏通奏（数字）低音的重要作用，已逐渐减弱直至取消，虽然到海顿和莫扎特时，偶尔还有用羽管键琴来指挥自己歌剧和交响曲的情况，但曼海姆乐队演出时的指挥，已经由首席小提琴约翰·斯塔米茨来担任了:“任何东西也没有他那点头和肘部的动作更为重要了。”

意大利米兰的作曲家乔万尼·巴蒂斯塔·萨马尔蒂尼（Giovanni Battista Sammartini，1698~1775）是18世纪早期交响曲创作的代表人物，他是格鲁克的老师，写过近百首的交响曲，用类似歌剧序曲或维瓦尔第协奏曲的3乐章模式来构思自己的交响曲。比如他那简单短小的F大调第32交响曲，类似喜歌剧式轻松灵巧的风格，不具备18世纪晚期交响曲的戏剧性特征。三个乐章用急板-行板-急板的速度、F大调-d小调-F大调的调性来构成，乐队配置十分简单，仅仅是弦乐器的4个声部（他的一些管弦乐序曲，有时会加两支圆号）。第2乐章的中间部分仅用中提琴的音色，以此形成段落间微小的对比。第1乐章如同D.斯卡拉第的奏鸣曲一样，仅是单主题展开的两段体结构。

与萨马尔蒂尼同时代的意大利交响曲作曲家，还可举加卢皮（参见上节）等人。实际上，18世纪的欧洲作曲家从不局限于某种体裁的创作，总是要同时涉猎各种形式的领域，无论宗教性或非宗教性，歌剧或器乐，羽管键琴、室内乐或管弦乐曲。

德国、奥地利地区交响曲的发展，主要是以曼海姆乐派、柏林乐派和维也纳的作曲家为代表18世纪中叶，德国境内曼海姆（Mannheim）的选帝侯宫廷，拥有一个极负盛名的管弦乐队，它以约翰·文采尔·斯塔米茨（Johann Wenzel Stamitz，1717~1757）以及围绕在他周围的一批优秀作曲家、演奏家为代表，其中有霍尔茨鲍尔（I. Holzbauer，1711-1783）、里赫特，斯塔米茨的后继者坎纳比希（C.Cannabich. 1731~1798），还有斯塔米茨的儿子卡尔·斯塔米茨（karl Stamitz，1745~1801）和安东·斯塔米茨（Anton Stamitz，1754~1809）等。曼海姆的演奏家们使当时的音乐会听众惊叹不已，他们用管弦乐队造成音色多变的声浪并给人以流动音响的快感。他们的同代人英国的伯尼、德国的舒巴特，都曾在自己的游记或文章中热情赞颂过这支欧洲最出色的乐队。

与他们的演奏风格一样，曼海姆乐派的作品轻捷明快，主调音乐风格已完全确立，高音声部的线条十分突出，乐队织体清澈透明；通奏低音已被谱写为明确的乐队各声部，羽管键琴演奏者的指挥作用，也被首席小提琴替代。曼海姆乐队的编制已趋于完整，除去弦乐组的基础编制外，木管中的长笛、双簧管、大管及铜管中的圆号已属常规使用乐器；他们挖掘出管弦乐队丰富的表现力，显示出它特有的力量和灵活变换的潜能，尤其是控制力度的能力，渐强、减弱的幅度（从PP到ff或反之）以及突强（sf）的运用。

图文均源于网络，版权归原作者所有，如有侵权请立即与我们联系，我们将及时处理